Cine 100%

Director: Michael Curtiz.
Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch.
Intérpretes: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains.
Música: Max Steiner.
Género: Drama. EE UU. 1942.
Puntuación: *****

Ganadora de 3 Oscar: Película, Director, Guión.
Nominada a 5 Oscar: Actor (Humphrey Bogart), Actor Secundario (Claude Rains), Fotografía en blanco y negro, Montaje, Música.

Argumento
En plena Segunda Guerra Mundial, los franceses y demás europeos sometidos a la dominación nazi intentan huir hacia América. Para ello han de esperar en Casablanca, en el Marruecos francés, a conseguir un visado que les permita volar lejos de allí. Mientras dura la espera, el café de Rick Blaine (Humphrey Bogart) es un punto de encuentro común entre unos y otros (tanto alemanes y oficiales franceses como miembros de la resistencia europea). Pero todo conmociona al impasible Rick cuando llegan a su café Ilsa (Ingrid Bergman) y Victor Laszlo (Paul Henreid). Ella, un amor del pasado que prometió olvidar; él, el jefe de la resistencia. Vienen dispuestos a conseguir sus visados, pero un "problema" hace que el futuro de ambos quede en las manos de Rick. A la vez, el capitán Renault (Claude Rains - vendido al gobierno colaboracionista de Vichy) tratará de detener a Laszlo para complacer al Mayor Strasser, oficial alemán.

Valoración: el caparazón de los sentimientos
En esta obra maestra se podrían destacar unos cuantos temas, pero me parece que el que cobra mayor importancia es el mundo controvertido de los sentimientos del protagonista: Rick-Bogart. Al principio, observamos en él a un hombre cínico que "no se arriesga por nadie", dicho con sus propias palabras. ¿Cómo olvidar la famosa frase: "Si tuviese tiempo de pensar en ti, posiblemente te despreciaría"? Un hombre duro, impasible, que mantiene las distancias en todo y con todos. Pero algo hace que todo eso se tambalee y, definitivamente, se derrumba. Se trata de la llegada a Casablanca de Ilsa Lund-Ingrid Bergman, antiguo amor de Rick-Bogart durante su estancia en París, antes de la ocupación alemana. Ambos se amaban con locura, pero algo los separó "definitivamente". Volver a verse en la ciudad africana hace que ambos vuelvan a recordar aquel tiempo. Pero resulta haber un problema: Ilsa se encuentra casada con Laszlo. Ante la situación, explota todo el cinismo y la impasibilidad de Rick-Bogart y vemos que, como decía el capitán Renault: "en el fondo, Rick, eres un sentimental".

Todo esto puede dar lugar a una disquisición sobre la exteriorización de los sentimientos. Y creo que en la actualidad hay una especie de supra-valoración de éstos. Ciertamente se pueden encontrar razones en el "efecto péndulo": tras los años de la Ilustración y su racionalismo brutal, vino el Romanticismo exacerbado; tras ello una nueva fase en la que había que ocultar todo sentimiento, y ahora nuevamente una explosión de los sentimientos fuera de lo normal. Todos estamos más o menos hartos de esos programas de TV en los que los invitados o protagonistas llevan a cabo expresiones de sus sentimientos cercanas a lo burlesco y, sin duda alguna, realmente falsas. Creo que, en muchos casos, se debe a una mala educación de los sentimientos, sin tener en cuenta que éstos forman parte de un conjunto en el hombre: voluntad, inteligencia y sentimientos. Una educación integral supone una formación y preparación en todas estas facultades humanas. Cuando se da a los sentimientos las riendas de la vida (todos hemos visto u oído más de una vez el famoso lema de "déjate llevar por tus sentimientos") se puede llegar a graves problemas, porque los sentimientos son volubles y hoy dicen "sí", pero mañana puede que digan "no". Para discernir lo bueno de lo malo tenemos la inteligencia, y para hacer lo que debemos hacer (lo bueno), tenemos la voluntad. Los sentimientos a veces acompañan y a veces no. Pero no pueden ser quienes dirijan nuestra vida.

En la película se puede observar la lucha de Rick-Bogart, que parece ceder a sus sentimientos para escaparse con Ilsa, pero será su voluntad la que le haga mantenerse firme donde debe estar, una vez que ha logrado discernir su deber.

Para saber valorar y exteriorizar los sentimientos es necesario una formación que sea realmente integral, que abarque todas las facetas del hombre. Sólo así sabremos dar a cada cosa su importancia, sabremos discernir lo malo de lo bueno y, a pesar de las dificultades, nuestra voluntad será capaz de llevarnos por ese camino.

Valoración técnica
Lo que destaca por encima de todo son los estupendos diálogos y la trabajada personalidad de Rick-Bogart. Esta película ha logrado inmortalizar miles de frases y escenas: "Tócala otra vez, Sam", "Yo no me arriesgo por nadie", "Si tuviese tiempo de pensar en ti, posiblemente te despreciaría", "Creo que este es el comienzo de una bonita amistad" y un largo etcétera. Y en cuanto a Humphrey Bogart, esta película logra dar esa imagen de tipo duro que ya había despuntado en El Halcón Maltés y que más tarde se consolidaría en él con El Sueño Eterno y demás clásicos del cine negro. No en vano, de Bogart se dice que su última frase fue: "Nunca debí cambiar del scotch a los martinis". Una personalidad un tanto curiosa.

Sobre las escenas, ¿cómo no acordarse del momento, que -incluso sin ser francés- resulta tan emotivo, en el que la Marsellesa tapa a Die Wacht Am Rhein? ¿O el flashback en el que se ve felizmente paseando en un descapotable a Rick-Bogart con Ilsa por París?

Casablanca es un clásico y un mito inolvidable, que siempre mantendrá en nuestras retinas imágenes tan cercanas... tan lejanas. Al fin y al cabo, "siempre nos quedará París".

T.o.: Citizen Kane
Director: Orson Welles.
Guión: Orson Welles y Herman J.Mankiewicz.
Intérpretes: Orson Welles, Dorothy Comingore, Agnes Moorehead, Ruth Warrick.
Música: Bernard Herrmann.
Género: Drama/Biopic. EE UU. 1941.
Puntuación: *****

Ganadora de 1 Oscar: Guión original.
Nominada a 8 Oscar: Película, Director, Actor (Orson Welles), Fotografía en blanco y negro, Música, Montaje, Dirección artística en blanco y negro, Sonido.

Argumento
Charles Foster Kane, el hombre más rico que jamás pisó la faz de la tierra, ha muerto. Todos los periódicos se hacen eco de la noticia. Pero un grupo de periodistas se preguntan acerca de sus últimas palabras: "Rosebud". ¿Qué se esconde tras esa palabra? Un periodista se lanza a la búsqueda de información y habla con todos aquellos que le conocieron y estuvieron cerca de él. De esta manera, el espectador va descubriendo la verdadera identidad de Charles F. Kane, su vida, todo lo que le ocurrió y cuanto pensaba. Todo para intentar resolver el misterio de "Rosebud".

Valoración: "Rosebud"
Película que forma parte de los clásicos imprescindibles para entender un poco más la historia del celuloide. Tal vez el mayor logro de Welles sea precisamente la creación de dos mitos del cine: Kane y "Rosebud". Sobre Kane, es curiosa la comparación entre el creador y su criatura... realmente hecha a "imagen y semejanza" del primero. Y en cuanto a "Rosebud", es posiblemente el gran mito del cine. Pero creo que lo mejor no es toda la expectación creada en torno a ello, ni siquiera la magnífica forma de escarbar en la excéntrica vida de un hombre a través de una sola palabra. Lo mejor de ese mito es el profundo sentido que guarda y su influencia continua -aunque oculta- en las imágenes, en los hechos y en la vida de Kane.

No, no desvelaré el misterio: ¿Qué es Rosebud? No responderé a la pregunta que se hacen los periodistas al principio de la cinta: ¿será una mujer, un coche, un caballo? No a esa pregunta material, aunque sí responderé al sentido profundo que puede esconder esa palabra misteriosa.

Puede ser perfectamente interpretada como la infancia perdida. De ahí surgen todos los desórdenes afectivos de Kane: no tuvo infancia, porque fue arrancado del seno familiar -aunque con la egoísta, o tal vez desafortunada, aprobación materna-. Sí, el gran problema de Charles Foster Kane es que todas las personas que podían parecer importantes en su vida le abandonan: su primera y su segunda mujer, su gran amigo Jedediah Leland, e incluso el bueno de Bernstein. Solo. Kane se queda solo, porque en sus relaciones sólo busca sentirse amado, nunca amar. Y este gran fallo afectivo viene de una falta brutal de amor en la infancia: no tuvo madre ni padre que le amasen.

Otra posibilidad del sentido de "Rosebud" es: ¿qué hubiese sido de su vida sin esa fortuna? Es una posibilidad compatible con la anterior, aunque con menos sentido, ciertamente. En una segunda visión de la película, una vez visto cuál es el significado material de la extraña palabra, la profundización personal puede dar respuestas a todas las preguntas, sobre todo a ésta: ¿Qué es Rosebud?

Valoración técnica
Es absolutamente increíble el tratamiento de los planos de Welles. Cada toma es una pequeña obra de ingeniería, o tal vez una especie de cuadro con cada detalle pensado. Welles habla de los personajes en cada plano con picados, contrapicados, juegos y contrastes de luces sorprendentes, primeros planos... La película se convierte en una sinfonía de imágenes, más que una secuencia de éstas. Algunas escenas llenan la pantalla de personajes en distintos planos, como la escena en la que los padres de Kane firman su partida mientras se le ve por la ventana jugando con la nieve; o la escena en la que se descubre la relación entre Kane y Susan Alexander (la cantante), en la puerta de la casa de ésta, con su mujer y Gettys... En fin, son cosas que merece la pena descubrir por uno mismo uno y otra vez. Y, ¿cómo olvidarse de la magnífica interpretación de Orson Welles, rodeado de actores noveles?

Pues sí, damas y caballeros, una obra de arte para los anales del cine. Imprescindible.

T.o.: Smultronstället.
Director y guionista: Ingmar Bergman.
Intérpretes: Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand.
Música: Erik Nordgren.
Género: Drama. Suecia. 1957.
Puntuación: *****

Argumento
Un viejo doctor de medicina (Victor Sjöström) está a punto de ser nombrado Doctor Honoris Causa por la universidad que le formó. En su viaje a esa ciudad, acompañado de su nuera (Ingrid Thulin), recordará tiempos de su infancia y juventud: rememorará el rechazo de su prima (Bibi Andersson) en favor de su hermano, la crueldad de él para con su mujer y sus efectos, visitará a su madre -anciana de 96 años- y redescubrirá a su nuera. Y de esa curiosa manera, en esa introspección el viejo doctor descubre su egoísmo y su soledad vital, lo que le llevará a un cambio profundo.

Valoración: memoria, egoísmo, arrepentimiento
Magistral obra del sueco Bergman, en la que nos asesta un puñetazo frontal y sin rodeos. La película golpea directamente y sin remilgos de ninguna clase al espectador, y pretende de este una catarsis. Es decir, una purificación del que observa la historia del doctor Borg. De esa manera, el arrepentimiento de Borg intenta llevar al público a su reflexión: ¿y yo? ¿Soy también yo un redomado egoísta?

En esta película, los recuerdos y la memoria de todo lo acontecido a lo largo de la vida no tiene tanto un sentido de nostalgia, sino más bien la examinación de la culpa. ¿Fui cruel con los demás? El doctor Borg observa minuciosamente todos aquellos momentos que marcaron giros en su vida, y se da cuenta de que su egoísmo escondido tras una fachada de inexistente bondad le ha servido para aislarse de los demás en su soledad. Una soledad -como ya digo- egoísta. Pero Bergman pretende que, mediante el proceso de identificación con el personaje, el espectador se haga las mismas preguntas. Y el doctor Borg termina aprendiendo de sus errores felizmente y es capaz de arrepentirse de ello. Es ésta una virtud impagable: la capacidad de pedir perdón y arrepentirse. Y es en ese momento que el director pasa el testigo al público, todavía aturdido por el golpe recibido.

Valoración técnica
Y entrando en campos más "cinematográficos", cabe destacar, en primer lugar, la soberbia fotografía: juego de contrastes y de sombras, marcada por los flashbacks en los que el doctor recuerda su juventud, en los que todo encaja perfectamente, incluso ese mundo de sueños tétrico que atormenta al doctor. Y también es mencionable la soberbia interpretación del protagonista, con una expresividad cuasi perfecta -no en vano, Sjöström procedía de la escuela del cine mudo-.

Un perfecto 10 para Bergman: esta película es, sin duda alguna, uno de los grandes pilares del séptimo arte.

T.o.: The Fountainhead
Director: King Vidor.
Guionista: Ayn Rand.
Intérpretes: Gary Cooper, Patricia Neal, Raymond Massey, Robert Douglas.
Música: Max Steiner.
Género: Drama/Biopic. EE UU. 1949.
Puntuación: ****

Argumento
Howard Roark (Gary Cooper es un arquitecto que presenta proyectos novedosos, tanto que todos le recomendarán que deje esos proyectos y dé al público lo que quiere. Roark se mantiene firme en su postura, ya que defiende la personalidad frente a la masa y cree en el arte por el arte. En todo esto, entrará en juego una crítica de arquitectura (Patricia Neal) que desprecia lo que está al uso, y que comenzará a admirar a Roark, al que más tarde amará. El director de un periódico importante (Raymond Massey) intentará manipular a la masa para que odie a este nuevo talento. Entre los tres se establecerá una relación un tanto curiosa.

Valoración: el individuo y la masa
Howard Roark es un artista, pero no sólo eso, también un hombre íntegro, de una sola pieza. ¿Egoísta? ¿Orgulloso? Tiene claro lo que quiere, y eso le lleva a no abandonar su camino a pesar de las dificultades, a veces enormes. Exalta de esta manera el individuo frente a la masa, aunque tal vez haya que matizar este aspecto.

La visión que se nos da en la película del individualismo puede llegar casi al absurdo ante la desmedida exageración en el orgullo de los personajes. Lo que realmente acabamos pensando es que se lleva a los personajes a circunstancias extremas, que verdaderamente no existen. Pero independientemente de esto, creo que es interesante la reflexión ante la manipulación mediática y la capacidad de un hombre para aguantar esas tormentas con entereza.

En nuestra sociedad es realmente curioso cómo el individualismo que nos invade es brutal; pero sin embargo, al observar a nuestro alrededor, vemos que esos hombres, esas mujeres, que creen ser el culmen del individualismo, seres sinceramente libres, no lo son. Más bien al contrario: la gran mayoría de la gente piensa igual, hace lo mismo. Es cruelmente irónico cómo el individualismo de nuestra época se ha convertido en un "individualismo igualitario y uniforme", donde una nota discordante, un hombre o una mujer realmente valiosos, diferentes al resto, son despreciados como un "elemento no apto".

La vida está llena de ironías...

T.o.: Gone with the wind
Director: Victor Fleming.
Guión: Sidney Howard.
Intérpretes: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia de Havilland.
Música: Max Steiner.
Género: Drama. EE UU. 1939.
Puntuación: *****

Ganadora de 10 Oscar (Película, Director, Actriz -Vivien Leigh-, Actriz secundaria -Hattie McDaniel-, Guión, Fotografía, Montaje, Dirección artística, Premio Técnico, Premio Honorífico). Nominada a 5 Oscar (Actor -Clark Gable-, Actriz secundaria -Olivia de Havilland-, Efectos especiales, Banda sonora original, Sonido).

Argumento
En la Guerra de Secesión americana, Escarlata (Vivien Leigh) está profundamente enamorada de Ashley (Leslie Howard), pero éste se casa con Melanie (Olivia de Havilland). Mientras sufren las horribles consecuencias de la cruenta guerra, Escarlata intentará por todos los medios que Ashley le ame. Pero entonces entra a escena un hombre de una reputación dudosa: Rhett Butler (Clark Gable), que se enamora de Escarlata. Asistimos a la miserable situación de todos ellos y a la peor calaña de Escarlata.

Valoración: La miseria interior
Puede que sea la mejor película de todos los tiempos. Su larga duración no la hace menor ni mucho menos. Es más, puede hacerse larga en algún momento dependiendo de nuestro cansancio en el momento de verla, pero a la historia no le sobra absolutamente nada.

En la película se nos muestra la miseria que produce la guerra, cierto, pero ese no es su objetivo principal. A través de esa miseria exterior nos muestra a un personaje miserable por encima de todos: Escarlata O'Hara. Desde el principio se ve en ella una persona repulsiva, pero a medida que va adquiriendo madurez y poder, se convierte en un ser despreciable, a pesar de los momentos de luz que hay en su vida, que hay que reconocer que no son pocos. Y Rhett Butler... a veces parece también alguien miserable, pero no. Rhett es un hombre que merece el respeto que Escarlata nunca le da. Rhett Butler sufre las consecuencias de la terrible Escarlata.

Y como contraste, la angelical presencia de Melanie, que ama hasta extremos insospechados a Escarlata, a pesar de todo. Melanie representa una caridad que puede parecer tonta, pero nada más equivocado: Melanie sabe que Escarlata le ayuda por Ashley y sólo por él, pero no le importa; ella la ama como a una hermana, y sabe pasar por encima de todo lo malo que hay en ella. Nos encontramos así con un personaje que resplandece por encima de todos, que en general son seres algo miserables, egoístas y codiciosos.

El desarraigo
Ante una guerra y las continuas huidas para evitarla, es inevitable tratar el desarraigo. El desarraigo de la tierra y de la familia. Aquí se representa con Tara, la casa de los O'Hara. Tara será para Escarlata al principio un lugar del que irse, después un lugar en el que huir de la guerra y, finalmente, el lugar en el que cobijarse del mundo y de sus propias miserias y el sufrimiento.

El encanto del paso del tiempo
En películas de tan larga duración como ésta y que abarcan un buen periodo de tiempo sobre unos mismos personajes, somos capaces de observar el paso del tiempo. Y no deja a nadie intacto, bien sea para bien o para mal. Esto siempre tiene un encanto especial, porque nosotros mismos hemos sido testigos (más o menos tiempo) de cómo cambian las personas con el paso de los años. Y nos permite a la vez preguntarnos: ¿y yo? ¿Qué será de mí cuando hayan pasado todos esos años? Por lo que nos identificamos tanto con las imágenes que vemos que lo sentimos como si fuera real y como si les hubiésemos visto crecer a todos esos personajes.

T.o.: Un condamné à mort s'est échappé
Director y guionista: Robert Bresson.
Intérpretes: François Leterrier, Charles Le Clainche, Maurice Beerblock, Jacques Ertaud.
Música: Wolfgang Amadeus Mozart.
Género: Drama. Francia. 1956.
Puntuación: ****

Argumento
Fontaine (François Leterrier) es un preso francés en manos de los nazis. Desde el mismo momento en que llega a la cárcel -e incluso antes- hará todo lo posible por escapar, de forma tremendamente laboriosa, a pesar de que todos le intentan persuadir de que es imposible. En la cárcel, a los presos sólo les queda un remedio: actuar, escribir, no quedarse pasivos y no dejarse vencer por la desesperanza. Y este es el tema central: la lucha por mantener una esperanza.

Valoración
Robert Bresson nos vuelve a presentar una película profunda y, por ello, a veces complicada de ver. Mantiene sus rasgos estilísticos como la cámara casi estática para lograr la objetividad o una gran importancia de los silencios. Lleva a cabo la historia con una notable trascendencia de los monólogos en off del personaje central, descubriéndonos así todo su interior.

Abarca, como ya he dicho, la esperanza en una vida mejor fuera de los muros de la cárcel. En definitiva, la esperanza de todo hombre en la salida de sus penas. Pero para ello nos muestra la incansable laboriosidad del personaje, y lo hace a tiempo casi real, que por momentos nos pueden llegar a parecer tediosos: la laboriosidad, que a pesar de su monotonía y su controversia en las personas que rodean al personaje -que nos rodean a nosotros-, tiene su recompensa y su meta. Es decir, nos presenta los obstáculos físicos e internos de lo que puede ser nuestra misma vida.

Director y guionista: Robert Bresson.
Intérpretes: Martin LaSalle, Marika Green, Pierre Leymarie.
Música: Jean-Baptiste Lully.
Género: Drama. Francia. 1959.
Puntuación: *****

Argumento
Interpretación de la novela Crimen y castigo de Dostoyevski. Michel (Martin LaSalle) es un joven aficionado a robar carteras, pero siempre le descubren, hasta que empieza a aprender gracias a la ayuda de otro carterista. Entra en una espiral peligrosa en la que ya sólo robar le interesa, abandonando el interés por sus amigos Jacques (Pierre Leymarie) y Jeanne (Marika Green). A la vez, un inspector de policía le va siguiendo la huella.

Valoración
Profunda película del curioso director francés Robert Bresson, en el que desenvuelve una vez más su peculiar estilo cinematográfico y sus siempre interesantes propuestas. Su trato de la cámara siempre nos sorprende por su increíble sencillez, haciendo de la objetividad su principal rasgo: él sólo nos presenta unos hechos, casi como en un documental. Le da una importancia vital al sonido y a los silencios.

Esta vez, nos presenta una interpretación bien trabajada de la novela Crimen y castigo, tratando así los temas de la culpabilidad, la conciencia o la redención en el amor. Sobre la conciencia, así como hacía Dostoyevski, nos dice que ningún hombre puede intentar abolirla, porque sería su perdición más absoluta: llegaría a rozar la locura, que tal vez no está tan desarrollada en este personaje como en Raskolnikov. Y nos presenta, además de un trato de la culpabilidad de nuestros actos, la redención por el amor en el personaje de Jeanne, gracias a la cual, Michel conseguirá huir del infierno que le tiende su propia mentira.

Una película interesante, aunque quizás es bueno saber que no es fácil de ver si no se está precavido de que lo que se tiene entre manos es una película de Bresson, siempre profundo y siempre interesante.

T.o.: The searchers
Director: John Ford.
Guión: Frank S. Nugent.
Intérpretes: John Wayne, Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles.
Música: Max Steiner.
Género: Western. EE UU. 1956.
Puntuación: ****

Argumento
Ethan Edwards (John Wayne) regresa de la Guerra de Secesión americana. Pero tendrá que lanzarse a la búsqueda de su sobrina, raptada por los indios. En la búsqueda le acompañará un chico huérfano al que recogió, Martin (Jeffrey Hunter). De esta manera, habrá un choque de carácter continuo entre los dos: Ethan un hombre áspero y de vuelta de todo, y Martin un chico intentando desplegar sus alas. Más que mostrarnos la búsqueda de la sobrina, John Ford nos muestra la continua búsqueda de un lugar en el mundo por Ethan y Martin.

Valoración
La obra más afamada de John Ford, aunque en su época no tuvo mucho éxito. Steven Spielberg respondió rápidamente cuando le preguntaron cuál era la mejor película de la historia: "The searchers" (Centauros del desierto).
Como ya he dicho, el tema principal de la película es la búsqueda de un lugar en el mundo ("Searchers" significa buscadores). Es el personaje llamado el "dislocado", es decir, el que no tiene un lugar; y ya se encuentra en las obras clásicas de Homero o Virgilio. Y es que el personaje de Ethan guarda un enorme parecido al Ulises de la "Odisea". No en vano, el western es la épica americana.
Sin duda, gran calidad técnica en esta película (obsérvense los planos tan magistrales que usa Ford, con una composición magistral); excelentemente interpretada, con mención especial para John Wayne, y con unos personajes muy trabajados (incluso los secundarios).

Personajes
Ethan (John Wayne): un hombre misterioso, que oculta un pasado que pocos conocen (si alguien lo conoce). Vuelve a casa de su hermano y su cuñada tres años después de terminar la guerra. ¿Qué hizo durante ese tiempo? No se sabe bien, pero lo que sí se puede asegurar es que está pasado de rosca, nada le puede sorprender ya, parece un hombre áspero, nada le llama la atención. Un personaje a analizar personalmente.
Martin (Jeffrey Hunter): es muy parecido a Ethan, pero se da cuenta de que no quiere acabar como él, sin una referencia en su vida, pero no parece darse cuenta de que todo lo que hace le puede llevar a ello si no pone atención.